Arte criada por um grupo de alunos da 4ª série no PS 148 no Queens
“Se queremos que os nossos filhos cresçam aprender a aprender e como pensar, devemos trabalhar na outra direção: tornar a sala de aula olhar mais como o estúdio de arte.” – Christopher Wisniewski
Quarenta e um anos atrás, Agnes Gund ler um artigo sobre as artes a ser praticamente eliminado a partir do orçamento do Conselho NYC da Educação. Ela teve uma idéia. Que tal trazer artistas visuais para ensinar em escolas onde não havia nenhuma instrução de arte? Estúdio em uma escola, a organização que ela fundou, fez exatamente isso. O programa cresceu de três para duas centenas de escolas em toda a Nova York, e agora está planejando expandir nacionalmente.
Studio funciona em parceria com a rede pública de ensino, em vez de em oposição a ela. 30,000 estudantes por ano atualmente beneficiar do serviço. Diretor Executivo Chris Wisniewski explica que a flexibilidade tem sido o segredo para o crescimento. Por exemplo, quando Nova York lançou Universal Pre-K, Estúdio foi capaz de oferecer programas de desenvolvimento profissional ao influxo de novos professores para a primeira infância. O que torna tão especial Estúdio? Wisniewski diz que fez sua própria pesquisa quando ele começou há pouco mais de dois anos atrás e tem a mesma resposta de todos: “Nosso artista instrutores.”
A Pesquisa Global para a Educação congratula-se com Christopher Wisniewski para falar sobre artistas de chegar a uma escola perto de você.
© Mindy Best
“Em geral, devemos nos concentrar em fazer o ensino médio melhor não simplesmente mais bem sucedida na promoção o desempenho do aluno, mas também mais centrado no aluno, mais criativo, mais-projeto baseado.” – Christopher Wisniewski
Deslocando habilidades num mundo em mudança. Há uma grande ênfase na criatividade no currículo hoje num momento em que os orçamentos da educação de arte de escolas públicas estão sendo cortados. Como a educação artística e inteligência visual preparar os jovens para um mundo em mudança, e como pode inteligência visual permear outras disciplinas acadêmicas e melhorar a criatividade em geral?
Eu amo esta pergunta-lo está relacionada com a nossa razão para o uso artistas como professores. Autênticas Fazendo Arte experiências proporcionar oportunidades de auto-expressão, e também ajudar a ensinar maneiras de pensar - “hábitos do artista da mente.” um Estas são as habilidades metacognitivas que estão intimamente alinhados aos educadores habilidades do século 21 em um amplo espectro de disciplinas estão colocando ênfase crescente na. Através da arte making-particularmente, eu sinto, com um artista como professores-estudantes iteração, visionar, persistir, colaborar, e inovar.
O ensino ea aprendizagem vejo acontecendo em nossos estúdios de arte é centrada no aluno e projeto baseado em. Há também muitas vezes uma menor barreira à entrada no estúdio de arte do que em outras salas de aula. Para os alunos com diferentes necessidades de aprendizagem e aprendizes da língua inglesa, por exemplo, visual fazer arte experiência pode proporcionar uma oportunidade para se conectar, se empenhar, e interagir que é outra forma rara durante o dia escolar. Esta é uma razão pela qual há tanto poder na integração de experiências de arte autênticas em “assuntos acadêmicos.”
É certamente possível ter uma experiência tomada de arte que não é criativo ou centrada no aluno. Não vejo qualquer valor em pedir a um aluno para copiar Noite estrelada, embora isso acontece em aulas de arte o tempo todo. Esse tipo de lição trata da sala de aula de arte como uma sala de aula “acadêmica”. Se quisermos que nossos filhos cresçam aprender a aprender e como pensar, devemos trabalhar na outra direção: tornar a sala de aula olhar mais como o estúdio de arte.
Como você constrói profunda, parcerias significativas com as escolas, diretores, professores, e famílias? Como o estúdio em uma escola capacitar estudantes e artistas do mundo real, ao mesmo tempo?
Isso é fácil de responder, mas difícil de alcançar. Abordamos cada parceria individualmente e começar cada programa com uma conversa envolvendo os diretores, professores, e nossos instrutores Artista. Todo mundo sentado à mesa entende que cada stakeholder traz experiência diferente para a conversa e que todo mundo precisa ser ouvido. Os professores principais e da sala de aula entender seus alunos, suas necessidades, a comunidade que estão servindo, e seus objetivos instrucionais. Entendemos arte visual. Pedimos aos nossos instrutores Artista de trazer a sua criatividade para o processo de planejamento.
As teclas são para ouvir os seus parceiros e definir expectativas claras na frente.
© Mindy Best
“Nada substitui a exploração de materiais e a experiência de transformar fisicamente um pedaço de papel com tinta ou tesoura ou de manipular argila.” – Christopher Wisniewski
Quais são as diferenças entre o que está sendo ensinado por um artista contra um professor de arte? Como é que os artistas e os professores trabalham em conjunto em seus programas?
Tenho um grande respeito pelos professores de arte e para os artistas. Nossos alunos se animado sobre ter instrutores que são artistas expositoras. Incentivamos nossos instrutores Artista de compartilhar o seu próprio trabalho com seus alunos e para deixar os seus alunos sabem quando têm exposições. Em uma cidade como Nova York, ele abre os alunos até a idéia de que artistas e arte são todos ao seu redor, não apenas em museus premier mas em galerias, restaurantes, bibliotecas, parques, estações de metrô, e outros espaços públicos.
Muito poucos de nossos instrutores Artista vêm até nós com formação em educação, embora a maioria tem alguma experiência de ensino. Nós colocá-los através meses de treinamento em pedagogia, desenvolvimento infantil, gestão de sala de aula, currículo, e mais antes que eles levam uma classe. O sucesso do estúdio tem dependia de uma reputação de qualidade. Temos conseguido que com a contratação de artistas extraordinários que trabalham conosco para se tornar grandes mestres. E quando eles estão em escolas, eles sempre colaborar com os professores.
Você mencionou que muito do aprendizado de arte é focado nas séries iniciais - por que isso? Por que não há mais programas de ensino fundamental e médio?
Temos uma “cauda longa” no ensino fundamental e médio. Uma razão para isso é prático: Na cidade de Nova York, ensino fundamental e médio os alunos não estão com o mesmo professor em sala de aula durante todo o dia. Isso faz com que o agendamento difícil.
Mas a educação artística é uma oferta mais especializada para alunos mais velhos. Alguns adolescentes querem estudar arte através do ensino médio; alguns têm outros interesses. Eu acredito que cada cinco anos de idade, deve ter uma pintura a experiência na escola. Isso é menos verdade de um jovem de quinze anos, embora eles devem ter acesso a arte, se eles querem.
Nós sabemos, contudo, que a escola média é um ponto de inflexão crucial na educação de uma pessoa jovem. Em geral, devemos nos concentrar em fazer o ensino médio melhor não simplesmente mais bem sucedida na promoção desempenho do aluno (no entanto, que é o objetivo) mas também mais centrado no aluno, mais criativo, mais-projeto baseado. educação artística suporta esses valores, por isso é lógico que devemos ter escolas de ensino médio que são mais ricos em arte.
Arte criada por um aluno da 3ª série na Sheridan Academy for Young Leaders in the Bronx
“Gostaria Studio para integrar a tecnologia em nossos programas para os alunos mais velhos, mantendo arte e fazer arte no centro do que fazemos.” – Christopher Wisniewski
Como o desenvolvimento da tecnologia está mudando e remodelando a educação artística? Como você usa tecnologia para melhorar a educação artística?
Nosso currículo é fundamentada na mídia estúdio de arte tradicional. Nas séries iniciais, Eu nunca ver que a mudança. Para jovens, nada substitui a exploração de materiais e a experiência de transformar fisicamente um pedaço de papel com tinta ou tesoura ou de manipular argila. São momentos de descoberta, expressão, e agência.
Para os alunos mais velhos, a história é diferente. Muitos dos nossos instrutores Artista integrar a tecnologia em seu próprio trabalho, que é uma oportunidade para nós. O desafio com programas de vapor é que eles geralmente envolvem uma isca-e-switch: você obtém os estudantes interessados, prometendo-lhes que eles vão fazer, por exemplo, um jogo de vídeo, mas na verdade você está ensinando-lhes como codificar, que é difícil. A experiência de aprendizagem pode ser frustrante, porque o aluno eo professor têm objetivos diferentes. Gostaria Studio para integrar a tecnologia em nossos programas para os alunos mais velhos, mantendo a arte e fazer arte no centro do que fazemos. A tecnologia torna-se mais uma ferramenta para apoiar o processo criativo ao invés do foco.
Como você está planejando expandir Estúdio em uma escola? Quais são os desafios?
Programa Escolas New York Studio já opera em escala. Nosso desafio localmente é manter a qualidade, permanecendo ágil e adaptativa.
Nacional ou global, Eu pressinto algo que é replicável, embora não, em sentido estrito, escalável. O Instituto Studio é menos interessado em franchising que em compartilhar nossa abordagem com outras comunidades. Isso remonta ao que faz Estúdio de sucesso em Nova York: parcerias autênticas entre os líderes da escola, professores, e os artistas informados pela filosofia de estúdio e compromisso com a qualidade. Esta “receita” transformou as comunidades escolares em todos os cantos da cidade. Eu não vejo nenhuma razão para que a nossa abordagem não replicar em outras cidades ou países ou disciplinas.
CM Rubin e Christopher Wisniewski
Junte-se a mim e líderes de renome mundial, incluindo Sir Michael Barber (Reino Unido), Dr. Michael Bloco (EUA), Dr. Leon Botstein (EUA), Professor Clay Christensen (EUA), Dr. Linda, Darling-Hammond (EUA), Dr. MadhavChavan (Índia), Charles Fadel (EUA), Professor Michael Fullan (Canadá), Professor Howard Gardner (EUA), Professor Andy Hargreaves (EUA), Professor Yvonne Hellman (Holanda), Professor Kristin Helstad (Noruega), Jean Hendrickson (EUA), Professor Rose Hipkins (Nova Zelândia), Professor Cornelia Hoogland (Canadá), Honrosa Jeff Johnson (Canadá), Senhora. Chantal Kaufmann (Bélgica), Dr. EijaKauppinen (Finlândia), Secretário TapioKosunen Estado (Finlândia), Professor Dominique Lafontaine (Bélgica), Professor Hugh Lauder (Reino Unido), Senhor Ken Macdonald (Reino Unido), Professor Geoff Mestres (Austrália), Professor Barry McGaw (Austrália), Shiv Nadar (Índia), Professor R. Natarajan (Índia), Dr. PAK NG (Cingapura), Dr. Denise Papa (US), Sridhar Rajagopalan (Índia), Dr. Diane Ravitch (EUA), Richard Wilson Riley (EUA), Sir Ken Robinson (Reino Unido), Professor Pasi Sahlberg (Finlândia), Professor Manabu Sato (Japão), Andreas Schleicher (PISA, OCDE), Dr. Anthony Seldon (Reino Unido), Dr. David Shaffer (EUA), Dr. Kirsten Immersive Are (Noruega), Chanceler Stephen Spahn (EUA), Yves Theze (LyceeFrancais EUA), Professor Charles Ungerleider (Canadá), Professor Tony Wagner (EUA), Sir David Watson (Reino Unido), Professor Dylan Wiliam (Reino Unido), Dr. Mark Wormald (Reino Unido), Professor Theo Wubbels (Holanda), Professor Michael Young (Reino Unido), e Professor Minxuan Zhang (China) como eles exploram as grandes questões da educação imagem que todas as nações enfrentam hoje.
A Pesquisa Global para Educação Comunitária Página
C. M. Rubin é o autor de duas séries on-line lido pelo qual ela recebeu uma 2011 Upton Sinclair prêmio, "The Search Global pela Educação" e "Como vamos ler?"Ela também é o autor de três livros mais vendidos, IncluindoThe Real Alice no País das Maravilhas, é o editor de CMRubinWorld e é um Disruptor Fundação Fellow.
Siga C. M. Rubin no Twitter: www.twitter.com/@cmrubinworld
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