La recherche globale pour l'éducation: Est maintenant notre temps à la danse?

Posté par C. M. Rubin mai 16, 2018

“La danse est une forme d'art qui déclenche des émotions et des sentiments comme aucun autre. Il offre l'occasion d'explorer des questions importantes et émotionnellement viscéralement, par la meilleure langue de la planète, le mouvement du corps.” –– Rob Fruchtman

Comme la population mondiale continue de croître, la migration et la diversité sociale et culturelle sont les pays et les communautés remodèlent. Danse batterie de New York a lancé sa danse pour se connecter à des programmes 2006. Depuis cette époque, le programme est étendu à 6 continents, 50 pays, 100 villes, et 1,000 écoles. Alors que le programme a eu sa part de défis, Fondateur Jonathan Hollander croit que « aucune fracture n'a été trop grand pour l'art de la danse, la primauté de mouvement, l'humanité, et d'expression, pour enjamber « .

Produit par Cornelia Ravenal, Mikael Sud Pierre, et Wendy Sax Moving Stories un brillant nouveau documentaire de Wilderness Films suit six danseurs de la batterie de danse de l'Inde vers l'Europe de l'Est à la péninsule coréenne au Moyen-Orient comme ils soutiennent les jeunes vulnérables en les aidant à s'exprimer par le mouvement. Ravenal dit qu'en tant que survivant du traumatisme qu'elle a compris le pouvoir de l'art de « guérir et transformer. » Ravenal avec son partenaire mari Mikael Södersten a collaboré avec Hollander sur le film parce qu'elle croyait que c'était une histoire qui devait être dit.

nous rejoindre dans la recherche mondiale pour l'éducation pour parler Moving Stories sont Cornelia Ravenal, Jonathan Hollander et Rob Fruchtman, le directeur du film.

Rob ce qui vous a inspiré pour faire ce film?

Pour moi, en tant que directeur, la danse est une forme d'art qui déclenche des émotions et des sentiments comme aucun autre. Pour cette raison, danse peut aider à débloquer les secrets, émotions et désirs à l'intérieur nous, que nous sommes des danseurs formés ou des êtres bipède ordinaires. La danse est à la fois un moyen et une sortie. Il offre l'occasion d'explorer des questions importantes et émotionnellement viscéralement, par la meilleure langue de la planète, le mouvement du corps. Pas de mots. Juste l'expression qui vient de l'esprit et le corps se parler.

“Dès que les enfants commencent à se déplacer, ils ouvrent des canaux. Ils commencent à se comprendre de nouvelles façons, et comme ils éveillent leurs propres sentiments, ils sont mieux en mesure de faire preuve d'empathie avec les autres.” — Cornelia Ravenal

6 danseurs, 4 pays, 1 la semaine. Pouvez-vous parler des défis de travail avec la enfants à New Delhi, Bucarest, Busan, et Amman?

Cornelia: Le film suit la batterie de danse à quatre pays: Inde, où ils ont travaillé avec des filles victimes de la violence sexuelle; Roumanie, avec les jeunes Roms (Tsiganes) de l'un des pires bidonvilles de l'Europe; Corée du Sud, avec les Nord-Coréens qui ont risqué leur vie pour échapper; et en Irak, avec un jeune danseur musulman luttant pour survivre. Nous avons commencé avec des pousses en Inde, où la plupart des filles dans les ateliers avaient survécu à une sorte d'exploitation sexuelle. Parce qu'ils étaient si vulnérables, Mikael et j'ai embauché local, Hindiphone équipe avec l'expérience de documenter les survivants. Ce fut le plus sensible des pousses, car nous avions besoin d'établir la confiance non seulement avec les participants, mais aussi avec le soin de l'ONG pour eux. Certaines des filles avaient aussi des handicaps physiques graves, qui exigeait des soins supplémentaires des deux artistes d'enseignement. À la fin, Tadej était aussi déplacé en travaillant avec ces jeunes filles comme ils l'étaient avec lui, créer quelques-uns des moments les plus beaux dans le film.

Rob: A Bucarest, J'ai remarqué tout de suite que le fossé entre les non-Roms et (gitan) enfants était large. Clément avait un groupe particulièrement difficile – les enfants avec des tonnes d'énergie, mais un vrai manque de concentration. Son défi consistait à canaliser cette énergie dans une pièce de danse collaboration de leur propre fabrication. Tout au long de l'atelier, Je me demandais s'il retirer. Mais sa fermeté et la détermination de ne pas renoncer à ces enfants payé. Il a dû jeter un enfant à la demande et que d'autres essaient plus difficile. Alors que certains ont abandonné, Ceux qui sont restés ont été récompensés par un sentiment d'accomplissement et de fierté, qui semblait manquer dans leur milieu familial.

à Busan, les enfants nord-coréens semblaient peur de sortir de leur coquille. Les enfants sud-coréens semblaient les ignorer jusqu'à ce que Sean les accolés et les guider doucement à travers des exercices de mouvement qui les ont forcés à regarder, tenir et coordonner leurs mouvements ensemble. Ce fut une transformation remarquable, quelque chose qu'ils ne pouvaient pas atteindre avant, même avec un langage commun.

Adel était à Bagdad, Clement et Sean à New York. Et partager encore leurs connaissances avec une danseuse de talent, mais sans formation dans un pays déchiré par la guerre semblait lui donner non seulement de nouveaux outils, mais l'espoir. Dans une telle situation,, la patience est la plus grande vertu. Après des années animant des ateliers dans des endroits difficiles, les danseurs ont réalisé que la batterie ne pas abandonner est aussi importante que la création d'une danse.

Comment avez- “la création de la danse” dans diverses communautés construire des ponts?

Cornelia: Pour être en mesure de faire des danses, vous devez utiliser les outils de chorégraphie. Contrairement à des sujets académiques, l'apprentissage de ces outils dépend de mouvement. Dès que les enfants commencent à se déplacer, ils ouvrent des canaux. Ils commencent à se comprendre de nouvelles façons, et comme ils éveillent leurs propres sentiments, ils sont mieux en mesure de faire preuve d'empathie avec les autres. Cela, à son tour, permet la collaboration. Juste en se déplaçant ensemble, ils ne peuvent pas aider mais se connecter en tant qu'êtres humains. Comme Clement Mensah, l'un des danseurs-professeurs, dit dans le film, « Je n'ai pas parler danse en anglais. Je n'ai pas parler danse en arabe. Je n'ai pas parler danse en roumain. Il devient la même langue « .

Rob: Le but de la danse Pour connecter des ateliers est de réunir des groupes disparates au sein d'une culture ensemble. En Corée du Sud et la Roumanie en particulier, les enfants se sont séparés au début des ateliers. Les danseurs de batterie créé des exercices qui entremêlent les deux groupes, et les connexions ont été faites rapidement que désintégré les frontières qui les avait tenus à l'écart. Quelle que soit la qualité de la performance, ces connexions un lien qui forgent a duré au-delà de la durée des ateliers eux-mêmes.

“Uns le film exprime les bases de relations humaines - mouvement, toucher, écoute, contes, créativité, l'expression de soi - une chose est communiquée transcendante qui respire l'espoir d'un meilleur, avenir plus humain.” — Rob Fruchtman

tout professeur de danse peut utiliser votre film comme une ressource? Comment pourrait-il fournir une feuille de route pour le changement?

Cornelia: Les danseurs-professeurs dans le film sont vraiment des modèles, non seulement pour les étudiants mais aussi pour tous les éducateurs. Ma mère, qui a enseigné l'art pendant plus 40 ans, dit que le film lui donne envie de revenir et d'enseigner à nouveau, parce qu'elle a vu tant de nouvelles possibilités. La danse pour se connecter programme lui-même est un plan. Les blocs de construction permettent aux étudiants d'accomplir des tâches de plus en plus difficiles et complexes. Lorsque les élèves maîtrisent un, ils sont plus confiants attaquer la prochaine. Et cette confiance est contagieuse, d'un étudiant à l'autre. En plus de cela, ils se préparent à jouer en public. Dans chaque atelier, il y a juste une semaine pour les jeunes qui peuvent être ennemis, qui peut avoir été abusé, qui peuvent avoir peur - qui ne veulent pas bouger du tout - à un endroit où non seulement ils s'exprimer par la danse, mais pour effectuer leurs communautés. Et chaque fois que, ils retirer. Cela crée en soi chez les jeunes un sentiment durable de maîtrise et de possibilité. Elle montre aussi, sans équivoque, cette transformation profonde est en effet possible - et dans un temps étonnamment court.

Dans quelles autres façons que vous espérez votre film faire une différence?

Cornelia: En tant que réalisateurs, nous croyons que la souffrance est née de la déconnexion: des autres, des opportunités, de l'espoir et même de nos propres corps. Mais nous avons le pouvoir de répondre à la souffrance par la connexion. Notre film montre les enseignants et les étudiants, enfants de différents horizons, et les gens de différentes cultures de connexion à travers le langage universel du mouvement. Mais le film offre également un aperçu intime dans la vie et les expériences des gens que nous voyons souvent comme « l'autre » - encore ici nous les voyons avec les mêmes désirs et les craintes que nous partageons tous.

Rob: En course, la religion et l'ethnicité divisent les gens du monde entier, nous espérons que le film montrera que nous pouvons communiquer entre eux par quelque chose de fondamental à tous les humains: mouvement. Et comme le film exprime les bases de relations humaines - mouvement, toucher, écoute, contes, créativité, l'expression de soi - une chose est communiquée transcendante qui respire l'espoir d'un meilleur, avenir plus humain.

Jonathan do vous croyez que votre modèle est évolutif?

La question de l'évolutivité se manifeste par l'expansion rapide de nos programmes à l'échelle mondiale. Nous abordons l'échelle et la durabilité par la formation des danseurs locaux, Professeurs de danse et d'autres, comme les professeurs de théâtre et de l'éducation physique en les faisant ombre et en partenariat avec nos artistes enseignants quand nous courons danse pour se connecter ateliers. Nous avons également mené un programme de formation, « Dancing pour se connecter Institut’ en quatre itérations à New York, avec les participants, y compris New York publics enseignants du secondaire, récemment majors de danse inscrivit des universités américaines et internationales, et les professionnels travaillant dans le domaine de l'éducation de la danse.

Top rangée de gauche à droite: C. M. Rubin, Rob Fruchtman, Jonathan Hollander

rangée du bas de gauche à droite: Cornelia Ravenal, Mikael Sodersten

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