A Pesquisa Global para a Educação: É agora o nosso Time to Dance?

Postado por C. M. Rubin em Maio 16, 2018

“A dança é uma forma de arte que desencadeia emoções e sentimentos como nenhum outro. Ele fornece uma oportunidade para explorar questões importantes visceralmente e emocionalmente, através da melhor linguagem do planeta, o movimento do corpo.” –– Rob Fruchtman

Como a nossa população global continua a crescer, migração e aumento da diversidade social e cultural estão remodelando países e comunidades. Dança bateria de Nova York lançou seu Dancing to Connect programas em 2006. Desde aquele tempo, o programa se espalhou para 6 continentes, 50 países, 100 cidades, e 1,000 escolas. Enquanto o programa teve a sua quota de desafios, Fundador Jonathan Hollander acredita que “nenhuma divisão tem sido muito grande para a arte da dança, a primazia do movimento, a humanidade comum, e expressão, para abranger.”

Produzido por Cornelia Ravenal, Mikael pedra do Sul, e Wendy Sax movendo Stories um brilhante novo documentário de região selvagem Films segue seis bailarinos de dança da bateria da Índia para a Europa Oriental para a Península Coreana para o Oriente Médio como eles apoiar jovens vulneráveis ​​ajudando-os a se expressar através do movimento. Ravenal diz que como um sobrevivente trauma ela entendeu o poder da arte para “curar e transformar.” Ravenal juntamente com parceiro marido Mikael Södersten colaborou com Hollander no filme, porque ela acreditava que isso era uma história que tinha de ser dito.

Se juntar a nós em A Pesquisa Global de Educação para falar sobre movendo Stories são Cornelia Ravenal, Jonathan Hollander e Rob Fruchtman, o diretor do filme.

Rob o que te inspirou a fazer este filme?

Para mim, como diretor, dança é uma forma de arte que desencadeia emoções e sentimentos como nenhum outro. Por essa razão, dança pode ajudar a desvendar os segredos, emoções e desejos dentro de nós, se estamos dançarinos ou seres bi-pedal comuns treinados. A dança é tanto um caminho e uma saída. Ele fornece uma oportunidade para explorar questões importantes visceralmente e emocionalmente, através da melhor linguagem do planeta, o movimento do corpo. não há palavras. Apenas expressão que vem da mente e do corpo conversando entre si.

“Assim que as crianças começam a se mover, eles abrem canais. Eles começam a compreender-se em novas formas, e como eles despertam seus próprios sentimentos, eles são mais capazes de sentir empatia com os outros.” — Cornelia Ravenal

6 dançarinos, 4 países, 1 semana. Você pode falar sobre os desafios de trabalhar com o crianças em Nova Deli, Bucareste, Busan, e Amã?

Cornelia: O filme segue Dança da bateria para quatro países: Índia, onde trabalhou com meninas vítimas de violência de género; Romênia, com jovens Roma (ciganos) de uma das piores favelas da Europa; Coreia do Sul, com os norte-coreanos que arriscaram suas vidas para escapar; e no Iraque, com uma dançarina muçulmana jovem lutando para sobreviver. Começamos com tiros na Índia, onde a maioria das garotas nas oficinas tinha sobrevivido algum tipo de exploração sexual. Porque eles eram tão vulneráveis, Mikael e eu contratei um local,, tripulação Hindi de língua com experiência documentando sobreviventes. Este foi o mais sensível dos brotos, como é necessário para estabelecer a confiança não só com os participantes, mas também com carinho da ONG para eles. Algumas das meninas também tinha graves deficiências físicas, o que exigiu um cuidado extra de ambos os artistas de ensino. No final, Tadej foi tão movido por trabalhar com essas meninas como eles estavam com ele, criando alguns dos mais belos momentos no filme.

Roubar: em Bucareste, Notei imediatamente que a divisão entre não-Roma e Roma (cigano) crianças foi ampla. Clement teve um grupo particularmente difícil – crianças com toneladas de energia, mas uma verdadeira falta de foco. Seu desafio era canalizar essa energia em uma peça de dança colaborativa de sua própria criação. Ao longo do workshop, Eu realmente me perguntei se ele iria retirá-lo. Mas sua firmeza e determinação para não desistir de essas crianças pagos. Ele teve que jogar uma criança para fora e exigir que outros tentam mais difícil. Enquanto alguns desistiram, os que ficaram foram recompensados ​​com um sentimento de realização e orgulho, que parecia estar a faltar em seus ambientes domésticos.

em Busan, as crianças norte-coreanas parecia ter medo de sair da sua concha. As crianças sul-coreanos pareciam ignorá-los até que Sean pressionado los juntos e gentilmente guiou através de exercícios de movimento que os obrigou a olhar, manter e coordenar os seus movimentos em conjunto. Foi uma transformação notável, algo que não poderia alcançar antes, mesmo com uma linguagem comum.

Adel estava em Bagdá, Clement e Sean em Nova York. E ainda compartilhando seu conhecimento com um dançarino talentoso, mas inexperiente em um país devastado pela guerra parecia dar-lhe não só novas ferramentas, mas a esperança. Em uma situação como esta, paciência é a maior virtude. Após anos que antecederam oficinas em locais de difícil acesso, os dançarinos da bateria ter percebido que não desistir é tão importante como a criação de uma dança.

como fez “criação de dança” em diversas comunidades construir pontes?

Cornelia: Para ser capaz de fazer danças, você tem que usar as ferramentas da coreografia. Ao contrário sujeitos académicos, aprender essas ferramentas depende do movimento. Assim que as crianças começam a se mover, eles abrem canais. Eles começam a compreender-se em novas formas, e como eles despertam seus próprios sentimentos, eles são mais capazes de empatia com os outros. Que por sua vez, permite a colaboração. Apenas movendo juntos, eles não podem ajudar, mas se conectar, como seres humanos. Como Clement Mensah, uma das dançarino-professores, diz no filme, “Eu não tenho que falar de dança em Inglês. Eu não tenho de falar de dança em árabe. Eu não tenho de falar de dança em romeno. Torna-se a mesma língua.”

Roubar: A intenção do Dancing to Connect oficinas é trazer grupos díspares dentro de uma cultura em conjunto. Na Coreia do Sul e Roménia em particular, as crianças se separaram no início dos workshops. Os exercícios dançarinos bateria criados que misturavam os dois grupos, e as ligações foram feitas, que rapidamente se desintegrou os limites que lhes separavam. Independentemente da qualidade do desempenho, essas conexões forjado um vínculo que durou para além da duração das próprias oficinas.

“Aé o filme expressa as noções básicas de relações humanas - movimento, tocar, ouvindo, narrativa, criatividade, auto-expressão - algo transcendente é comunicado que respira esperança para uma melhor, futuro mais humano.” — Rob Fruchtman

qualquer professora de dança pode usar o seu filme como um recurso? Como poderia fornecer um roteiro para a mudança?

Cornelia: O dançarino-professores do filme são realmente modelos, não apenas para estudantes, mas para todos os educadores. Minha mãe, que ensinou a arte por mais de 40 anos, disse que o filme fez querer voltar e ensinar novamente, porque ela viu tantas novas possibilidades. O Dancing to Connect programa é em si um modelo. Blocos de capacitar os alunos a realizar tarefas cada vez mais complexos e desafiadores. Quando os alunos a dominar um, eles estão mais confiantes enfrentar a próxima. E que a confiança é contagiosa, de um aluno para o próximo. Em cima disso, eles estão se preparando para realizar em público. Em cada workshop, há apenas uma semana para tirar os jovens que podem ser inimigos, que podem ter sido abusadas, que podem ter medo - que não pode querer mover em tudo - para um lugar onde eles não só se expressam através da dança, mas executar para as suas comunidades. E cada vez, eles retirá-lo. Isso por si só cria nos jovens um sentimento duradouro de domínio e da possibilidade. Ele também mostra, inequivocamente, que profunda transformação é realmente possível - e em um tempo surpreendentemente curto.

De que outras maneiras que você espera que seu filme vai fazer a diferença?

Cornelia: como cineastas, acreditamos que o sofrimento é nascido de desconexão: de outros, de oportunidades, de esperança e até mesmo de nossos próprios corpos. Mas nós temos o poder para resolver esse sofrimento através da conexão. Nosso filme mostra professores e alunos, crianças de diferentes origens, e pessoas de diferentes culturas conectar através da linguagem universal do movimento. Mas o filme também oferece vislumbres íntimos nas vidas e experiências de pessoas que muitas vezes vêem como “o outro” - ainda aqui nós vê-los com os mesmos anseios e medos que todos compartilhamos.

Roubar: como raça, religião e dividir etnia pessoas de todo o mundo, esperamos que o filme vai mostrar que podemos nos conectar uns com os outros através de algo fundamental para todos os seres humanos: movimento. E como o filme expressa as noções básicas de relações humanas - movimento, tocar, ouvindo, narrativa, criatividade, auto-expressão - algo transcendente é comunicado que respira esperança para uma melhor, futuro mais humano.

Jonathan do que você acredita que o seu modelo é escalável?

A questão da escalabilidade é manifestada pela rápida expansão dos nossos programas globalmente. Abordamos escala e sustentabilidade através da formação de bailarinos locais, dançar professores e outros, tais como professores de teatro e educação física, tendo-lhes sombra e parceria com nossos artistas de ensino Quando executamos Dancing to Connect oficinas. Temos também realizou um programa de treinamento, ‘Dancing to Connect Institute’ em quatro iterações em Nova York, com os participantes, incluindo professores públicos do ensino médio NYC, Recentemente matriculados majors dança de universidades norte-americanas e internacionais, e os profissionais que trabalham na área de ensino de dança.

Top de linha L a R: C. M. Rubin, Rob Fruchtman, Jonathan Hollander

Inferior fileira esquerda para a direita: Cornelia Ravenal, Mikael Södersten

Related posts:

Volta ao Mundo em 30 Dias - MAIO 2018 A Pesquisa Global para a Educação: More Materials for the Arts A Pesquisa Global para a Educação: Top Bloggers globais Professor – Aprender com as artes A Pesquisa Global para a Educação: Eu tenho uma voz